Atalaya del Jazz nace como un punto de observación privilegiado: una torre desde donde mirar el campo amplio y movedizo de un género que nunca dejó de transformarse. El último sábado de cada mes intentaré no solo abordar y analizar discos, sino y sobre todo pensar cómo suenan hoy la tradición, el cruce de géneros y la búsqueda de nuevas formas de narrar con música.
En esta novena edición, les traigo “Search for the new land” (1966), de Lee Morgan.
La historia del jazz está plagada de destinos inconclusos, de muertes prematuras y de genios generacionales que quizás nunca alcanzaron su máximo potencial, pero pocos resultan tan paradójicos y elocuentes como Lee Morgan. Asesinado por su propia pareja en 1972, cuando apenas tenía 33 años y el género recién estaba completando su transformación hacia un sonido eléctrico y fusión, la biografía del artista se suele leer bajo la sombra de ese final trágico. Sin embargo, mucho antes de que la fatalidad lo alcanzara, Morgan ya se había consolidado como un trompetista original, pionero de la segunda ola del hard bop y dueño de una técnica que cambió la forma de tocar el instrumento. Pero, sobre todo, fue un músico capaz de asimilar la tradición de sus maestros para tensionarla, llegando a romper sus propios moldes. En febrero de 1964, apenas un par de meses después de publicar “The Sidewinder”, un éxito comercial inmediato que amenazaba con encasillarlo para siempre en la fórmula simple del bop radial, Morgan emprendió un camino impensado: una huida hacia un punto de fuga que solo sus ojos podían ver. El sello Blue Note, de hecho, retendría la publicación de esta nueva sesión durante dos años para no competir con las ventas de su predecesor, revelando así la contradicción latente entre las demandas del mercado y la urgencia creativa del artista. Lejos de capitalizar esa fama repentina, Morgan se adentró en las profundas y oscuras melodías del post-bop para componer una obra introspectiva, cargada de matices que sorprenden a cada escucha, consolidándola como su magnus opus.
Para materializar esta transición en “Search for the New Land” (grabado en 1964 pero publicado finalmente en 1966), el trompetista reunió a los músicos más virtuosos de su generación, creando un campo de fuerzas donde cada integrante aporta una textura y un estilo diferente, irrepetible. Wayne Shorter impone desde el saxo tenor su característico misterio armónico, cargado de silencios; un contrapunto perfecto con el enfoque más impresionista de Herbie Hancock en el piano. La base rítmica, versátil e hipnótica, queda en manos del contrabajo de Reggie Workman y la batería de Billy Higgins, que impulsan el groove sin saturar el paisaje sonoro que conforman en conjunto. Más qué una formación limitada a acompañar al líder, esta fina selección de integrantes co-escribe la densidad de la obra a través una interacción dialógica constante y transversal a toda la grabación. Pero la sorpresiva inclusión de la sesión, lo que consolida su impronta inconfundible, es la incorporación de Grant Green: su guitarra le brinda al ensamble un tono terrenal e incisivo que reemplaza la densidad típica de las tradicionales secciones de vientos, dándole aire a las composiciones y, a su vez, un socio ideal a Morgan.
Envolvente, inmersiva y sutil, ‘Search for the new land’ se aproxima poco a poco con el repiqueteo de los platillos, con el tamborileo del piano, con la repetición de dos simples notas en la guitarra, todo lo cual una propicia una de las melodías más memorables del género. Desde ahí, la trompeta de Lee Morgan emerge icónica, inequívoca, con la épica propia de un himno nacional. Pero, en poco más de un minuto, se hace el silencio, dándole lugar a una línea de bajo inquietante, casi discontinua, que atraviesa toda la composición introduciendo cada ciclo de improvisación, casi como si se tratara de un aviso. Esto configura al tema homónimo, desde su estructura, como una composición de vanguardia e innovadora para su época, la que se caracteriza por tener siempre un theme o melodía principal que da comienzo y final a cada canción, sobre el cual cada músico tendrá su momento para solear. En otras palabras, el hard bop clásico suele utilizar ese tema principal como un mero pretexto de apertura y cierre, una formalidad obligatoria antes de darle rienda libre a los músicos sobre los acordes. Acá, en cambio, el theme de la pieza se retoma recurrentemente, abriendo y cerrando diversos ciclos de improvisación con matices y arreglos distintivos. Este recurso estratégico convierte a la pista en una composición modular e hipnótica, en la que la improvisación se configura como un constante retorno magnético al origen. A su vez, esta melodía principal no es lo que sirve cómo la plataforma sobre la cual cada integrante encontraría su momento para improvisar, sino que esa función la cumple aquella línea de bajo que abre pasajes completamente disonantes con ese theme. Así, el contraste entre estas dos partes es evidente: al sonido apacible que inaugura el track se le contrapone una vibra vertiginosa y frenética, ideal para desplegar la destreza de cada artista; mientras que la primera tiene marcados aires experimentales que la inscriben dentro de la corriente del postbop, las improvisaciones tienen tintes bastante más tradicionales, más propios del bebop. Morgan construye así un portal que conecta dos eras en una sola pieza: mientras los frenéticos solos rinden tributo al pasado inmediato, la cadencia del motivo central mira directamente hacia la inmensidad estructural del jazz modal, que por esos años dictaba el rumbo de la vanguardia.
Aunque la composición que le da nombre al disco dura casi 16 minutos, en una primera escucha da clara sensación de que se extiende mucho más. Este efecto se genera a partir de los sucesivos reinicios que tiene la canción, divididos en varias partes breves: cuando la improvisación parece llegar a su punto más elevado, antes que saturarse y tender a la cacofonía, el track vuelve a la intro del principio, reseteando la melodía. Así, coexisten múltiples ciclos de improvisación separados por aquella introducción, que poco a poco se vuelve algo más: lo que parecía ser únicamente el prólogo, después se vuelve una suerte de interludio entre partes, para luego alcanzar a ser el estribillo, sin dejar de ser en ningún momento el theme principal de la canción. En cada reseteo, un instrumento diferente prima sobre el resto y direcciona la exploración, dotando a la pieza de un relieve distinto. Lo que arranca como un diálogo equilibrado entre los vientos pronto se fractura cuando arremete el saxo de Wayne Shorter. Ese terreno sinuoso funciona como el preámbulo perfecto para que Morgan recupere el dominio absoluto de la composición, dándole forma a una de sus mejores interpretaciones de estudio. Ya sobre el tramo final, cuando la densidad de los vientos pide cierta variación, la guitarra de Grant Green y el piano de Herbie Hancock toman la posta, aterrizando la obra con una sutileza, completando así el paisaje sonoro de la pieza.
Y, sin embargo, esta compleja estructura con su singular convergencia de estilos no es la única marca de originalidad que tiene la canción, así como tampoco lo es el constante reseteo de la melodía. El gran signo distintivo de la composición, aquello que lo hace memorable, es que ambas partes del tema, esa introducción cautivante y los diversos momentos de improvisación, siempre se funden al final de cada solo para darle cierre a ese ciclo. Esto no solo le da una eterna continuidad al track, sino que corona cada solo con la epicidad del theme, generando un in crescendo que cada integrante tiene la chance de construir y armar a su manera, cargando de matices a cada interpretación. El gran ejemplo de esto son los compases en los que, culminando la zappada, emerge el theme desde la guitarra de Green, para que el instrumento que comandó esa improvisación ande y desande la melodía para explorar toda su destreza. Es como si cada artista tuviera tanto la oportunidad como la obligación de mostrar su propia versión de la melodía de Morgan. En eso radica la principal virtud de la composición: oficia en sí misma como un amplio repertorio de versiones alternativas de una misma canción, que amerita reversionar una y otra vez, porque se trata de la obra maestra de uno de los grandes trompetistas de la historia del jazz.
Así, ‘Search for the new land’, tanto desde su estructura como desde la mixtura de géneros que lo constituyen, materializa fidedignamente lo que el título del disco y del tema quieren: la búsqueda de una tierra nueva, la exploración de un nuevo elemento que permita abrir un inédito horizonte de posibilidades. Y, sin duda, esta composición cumple con su prometido. Es aquí donde el álbum alcanza sus puntos más elevados, de mayor entendimiento entre las partes y de mayor virtud individual. Aunque Wayne Shorter y Herbie Hancock supieron brillar tanto cómo líderes y como sidemans de proyectos de referentes como Art Blakey y Miles Davis, en este álbum logran un nuevo hito dentro de su trayectoria artística: llevan al postbop a un terreno inexplorado para ese entonces, creando una obra conceptual y, a la vez, al alcance de cualquier oyente. Aún mayor condecoración representa la actuación de Grant Green, que goza de cierto reconocimiento con sus discos como líder, pero que en esta ocasión consigue dar la impresión que, sospecho, buscó en cada una de sus grabaciones. No sería osado afirmar que su ciclo de improvisación y posterior versión propia del theme es el punto más alto de toda la composición.
Ahora bien, mientras que el disco consolida su gran exploración musical en el extenso tema homónimo, los otros cuatro temas del álbum se configuran como una búsqueda reducida e individual de diversos subgéneros del jazz. Como si, tras el viaje narrativo, expansivo y casi cinematográfico de la apertura, Morgan utilizara el resto del tracklist para diseccionar sus propias influencias estéticas. Esa exploración arranca con ‘The Joker’, una composición que oficia de refugio distendido, lúdico, ameno. Acá, la banda retrocede hacia un hard bop puro, impulsado por una interacción virtuosa donde el piano de Hancock brilla apoyado por el resto del sexteto, devolviéndole al disco un sentimiento colectivo alegre, efervescente y contrapuntos.
Sin embargo, ese clima ameno se quiebra de inmediato con la irrupción de ‘Mr. Kenyatta’. Impulsada por una energía rítmica de tintes latinos y del soul, la canción es un homenaje directo a Jomo Kenyatta, figura central de la independencia de Kenia. En esta pieza, el ensamble logra una brillante fusión de fuerza y control, donde los solos aventurados de Shorter, Green, Hancock y Morgan no hacen más que elevar la intensidad política del álbum. El contrapeso emocional a tanta vehemencia llega con ‘Melancholee’, una balada desgarradoramente y simple que baja la tensión hacia terrenos más reflexivos, pero menos introspectivos que el primer track. Es en este pasaje donde la evolución de Lee Morgan se hace más evidente: la exuberancia juvenil cede ante melodías más profundas y maduras, dejando ver que su técnica está ahora al servicio de un espectro emocional mucho más receptivo y consciente de las sombras que lo rodeaban. Finalmente, ‘Morgan the Pirate’ cierra la obra recuperando el pulso festivo. Con un tono rebotante y juguetón, esta canción reafirma que el ímpetu y el goce de improvisar seguían intactos, demostrando que la búsqueda de esa nueva tierra prometida, a fin y al cabo, no había sido en vano, ni tampoco implicaba el olvido de todo lo anterior.
En retrospectiva, “Search for the New Land” trasciende la categoría de un mero álbum de sesión para perfilarse como el hito principal del mapa de un genio en plena transición. Funciona como el testamento en vida de un artista que, teniendo la fórmula del éxito radial a sus pies, eligió el riesgo intelectual y la expansión de sus propios límites. La búsqueda de esta nueva tierra no era, entonces, una utopía geográfica ni un espejismo inalcanzable, sino un genuino estado de gracia estético y colectivo. En ese territorio retratado a base de introspección, melancolía y exploración modal, Lee Morgan logró desoír las presiones externas de la industria para demostrar que el futuro del jazz no radica en la virtud técnica de la ejecución, sino en la audacia de animarse a explorar lo inexplorado, para abrirle nuevos horizontes a un género en constante expansión.
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