Aproximadamente el 60% de la población mundial vive en Asia y parece que todos se pusieron de acuerdo en lanzar su álbum este mes. Desde la rabia del riot grrrl que sigue viva en Corea hasta una sesión de música de cámara sin cortes al lado del lago, recorremos toda la geografía con diez recomendaciones para estar al tanto de lo que se escucha y se siente en la región.

En portada: SUMIN

Hakushi Hasegawa – Honest Feeling Album [Japón 🇯🇵]

Hasegawa es un caso excéntrico: más que multiinstrumentista, es alguien que comprende a la perfección el uso de una amplia gama de instrumentos; primer artista disidente japonés fichado por Brainfeeder (el sello de Flying Lotus), y una de las voces más inventivas del pop experimental actual, mezclando jazz, rock japonés, electrónica y avant-pop sin pedir permiso. «Honest Feeling Album» es un disco catártico, maníaco, incluso perturbador: son quince canciones que exigen bancarse contrastes extremos, pero que a cambio son genuinamente emocionantes. Suma por primera vez una banda estable, HaHa and The Hairpins, lo que le da un cuerpo más "en vivo" a su siempre caótica mezcla de instrumentación programada, y la curaduría de colaboradores —tofubeats, Lee Lang, Mito Tsukino y Accorinrin (Otoboke Beaver)— es ideal para la locura que plantea el disco.

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Sailor Honeymoon – The Worst of Sailor Honeymoon [Corea del Sur 🇰🇷]

De las pocas bandas riot grrrl de Seúl, Sailor Honeymoon es un trío que desde el primer clic deja en claro que va con todo. Hay un parentesco sonoro con Wet Leg, Bikini Kill y Sleater-Kinney, pero encuentran formas nuevas dentro de ese linaje: ‘Paperwork‘ se apoya en un aire electrónico, ‘Having Fun‘ resulta disonante y sorprendentemente bailable antes de un quiebre pantanoso, el puente de ‘My Band‘ cita un estándar pop de los años 50, y ‘Extinction‘ directamente se va al absurdo. El medio Debaser lo resume como un patio de juegos de media hora para que estas grrrls irónicas muestren sonidos nuevos sin perder ni el peso ni la mordacidad que las define y me parece una síntesis ideal para el alma de este disco. Como escribió Robert Hazard y popularizó Cyndi Lauper, "Girls just want to have fun".
Abi Raymaker, baterista y cantante, lo dice claro: no buscan representar a todas, buscan representarse a sí mismas, mostrarle al mundo que hay muchas formas distintas de ser mujer y hacer música en Corea. Esta declaración se siente a flor de piel a lo largo del disco, nunca suena impostado ni deshonesto: cada línea es vivida, espontánea y personal, ya sea que hable de un caramelo de ginseng en ‘Red‘ o de la ansiedad de las redes sociales en ‘Click Click‘.

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Phùng Khánh Linh – Giữa một vạn người (Mở rộng) [Vietnam 🇻🇳]

Tras su paso exitoso por The Voice en su país, Phùng Khánh Linh sigue agigantando su nombre. El año pasado lanzó su tercer álbum, «Giữa một vạn người» [Among Ten Thousand People], una historia de duelo inspirada en "El Lago de los Cisnes". Este agosto lanzó una versión extendida y terminó de redondear la experiencia. Con cinco canciones nuevas que se suman a las doce originales, ayudan a profundizar en el viaje emocional que la obra recorre en las etapas del duelo, de la negación a la aceptación. En esta edición extendida, se suman los momentos posteriores como la soledad, la duda y la convivencia con el dolor mismo. Casi una hora de dream pop, rock alternativo y melancolía que no se conforma con un final feliz. El álbum ahora tiene una segunda vida que merece ser escuchada.

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Thoom – Everyday, Everything is at Stake [Líbano 🇱🇧]

El resurgimiento del llamado indie sleaze nos va dejando mezclas especiales en todo el mundo y el segundo álbum de la cantante libanesa Zeynab Ghandour a.k.a Thoom es una de ellas. «Everyday, Everything is at Stake» se nutre de la estética desfachatada del internet de los 2000 y de los sonidos árabes, con la distinción de productores que saben bien del tema como Dylan Brady de 100 gecs, Frost Children y uno de los miembros de Bassvictim, figuras clave de esta nueva ola. Por sobre los bajos profundos y atmósferas oscuras, se mantiene una dualidad constante del sonido y las líricas entre lo enérgico y lo sentimental.

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KiiiKiii – WhyKiiiKiii [Corea del Sur 🇰🇷]

Una de las revelaciones del año en el panorama del k-pop es el grupo KiiiKiii. Este quinteto ya había mostrado destellos de su propuesta en sus trabajos anteriores, pero con su tercer EP, «WhyKiiiKiii», dan el salto definitivo a las playlists globales. El proyecto abandona su etiqueta de pop rap para sumergirse de lleno en el house, UK garage y el dance-pop, con una clara inspiración en la electrónica pop de principios de los 2010. La colaboración con nombres del underground pop/electropop como Tomatomat, Effie, The Deep y SUMIN, entre otros, da como resultado una EP de fiesta, muy colorido y lleno de brillo, pensada para despedir el verano coreano con glitters y teléfonos con tapa.

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Seigen Tokuzawa & Masaki Hayashi – B [Japón 🇯🇵]

La música clásica sigue vigente y se filtra entre listas de la estridente actualidad, pero es que la magia del piano y un violoncello no se puede replicar. Los japoneses Seigen Tokuzawa y Masaki Hayashi vuelven a colaborar luego de seis años de su último trabajo y en esta ocasión lo hacen con «B». A orillas del lago Sagami, grabaron toda la obra en una sola sesión, sin cortes, en una misma cámara. El resultado es una sobria y solitaria interpretación de ocho obras originales, junto con dos improvisaciones y versiones curiosas que van desde una pieza clásica hasta una creación del pianista estadounidense Thelonious Monk. Son largas y calmas las melodías que se mueven entre el jazz contemporáneo y la música de cámara clásica moderna, dejando que entre el silencio de las notas se sienta la sinergia de la dupla, que viene tocando desde hace más de una década.

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Dongker – Melankolia Radikal [Indonesia 🇮🇩]

Dongker es una banda originalmente punk de Bandung, la capital de la provincia de Java Occidental. Siendo este su segundo disco, se volcaron hacia el rock alternativo, el emo y hasta el post-rock a través de once canciones que documentan una tristeza que se arraiga tanto desde lo colectivo como desde lo personal. El disco retrata dos capas que se sobreimprimen constantemente, plasmando ese concepto de melancolía radical que carga en el título. Por un lado, la aflicción íntima: la tristeza por una familia que se vuelve disfuncional, amores que no logran sostenerse, la nostalgia por un pasado que ya no se va a repetir, o la búsqueda de un refugio incierto. Por el otro, las letras se yuxtaponen constantemente con el dolor colectivo y la problemática social que atraviesa esos vínculos, no como un concepto general, sino ubicadas específicamente en la situación indonesa que la banda enfrenta.
Ahí aparecen sentimientos moldeados por ese estado comunitario: la melancolía interna de no poder mejorar la situación, la incertidumbre de si algún día va a cambiar, el cuestionamiento constante de por qué no volcar el enojo acumulado hacia los políticos. Y también un humor absurdo, casi como forma de no llorar, frente al regodeo con el que el gobierno se jacta de su gestión mientras el día a día del pueblo se vuelve cada vez más difícil. Una bola de tristeza, ironía y denuncia en un mismo gesto, que carga con el futuro incierto de la juventud en su mensaje.

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Marie Louise – めぐるつきひに [Meguru Tsukihi ni] [Japón 🇯🇵]

Formado en Kioto, hoy con base en Tokio: el dúo de Waku en voz y guitarra y Sota Nishimura en bajo y coros debuta con este disco. Según cuentan ellos mismos, sugusto musical fue variando con los años —de bandas más cercanas al post-hardcore/math rock a influencias más secuenciadas, tipo LCD Soundsystem—, aunque una referencia se mantiene como base compartida: eastern youth, uno de los pilares del rock alternativo japonés de los 2000. De ellos heredaron la estridencia, la explosividad para contrastar la calma, los silencios y una construcción que sostiene su hilo a través de todo su álbum.
"めぐるつきひに" (A medida que pasan los días y los meses) es su primer álbum completo: doce canciones, una por cada mes del año, con títulos que funcionan casi como pequeñas sentencias —enero esta espera, febrero sostiene la lucha, marzo observa cómo van las cosas—. La idea central es que el tiempo no se vive como una línea recta, sino como algo que cambia y se repite en un ciclo constante. La banda viene cruzando slowcore, shoegaze, noise y hardcore, y en este disco mantienen esa actitud cruzada: silencio y estruendo, improvisación y construcción, intimidad y algo más violento o desbordado, así mismo como todo eso convive dentro de un mismo año.

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Sumin – DinnerMode [Corea del Sur 🇰🇷]

Sumin es una especie de madrina del k-pop: compositora, productora y directora sonora de muchos grupos exitosos de la industria —Red Velvet, aespa, IU y BTS—, y de otros emergentes, como mencionamos con KiiiKiii más arriba, además de construir su propio catálogo solista. «DinnerMode» es su regreso a la autonomía completa. Sus últimos discos surgieron junto a su compañero del crimen, Slom, quien suele encargarse de materializar las ideas de Sumin en los encargos para la industria, pero en esta ocasión ella decidió encarar toda la cocina en solitario. El álbum llega compacto —nueve canciones, apenas 27 minutos— y en la salsa que mejor le marida: R&B alternativo con un enfoque funky y sofisticado, hasta con el glamour del disco. Su voz profunda se mueve con un groove dosmilero, y la escritura es tan cuidada que deja con hambre de más: un disco que sazona perfecto el momento de cocinar.

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Fictions – It Goes in Circles [Malasia 🇲🇾]

Fictions es un cuarteto de Kuala Lumpur que debuta con un álbum ambicioso: 62 minutos de rock alternativo, post rock y post-punk, grabado en gran parte tocando los cuatro miembros juntos en vivo y completado después con sobreimpresiones para darle capas sin perder esa interacción de banda en vivo. El título no es un capricho: "It Goes in Circles" funciona también como estructura narrativa. El disco recorre una relación que nunca termina de cerrarse del todo, un ciclo infinito de amor, agobio, ruptura y el anhelo del romance con unas letras muy descriptivas, detallista en acciones y expresiones. Esa idea de ciclo se traslada directo a la producción. La música construye climas espaciosos que en momentos puntuales se vuelven muy íntimos, como si el arreglo se replegara para terminar de imaginar la escena que describe la letra. Esos pasajes tristes suenan a espacios cerrados, casi internos, hasta que estallan en momentos de furia con toda la banda y las guitarras distorsionadas. Es una narrativa sonora que respira igual que la lírica: tensión, quiebre, calma, y vuelta a empezar. El disco entero armado se cimenta en círculos.
El gesto más contundente llega al final: la última canción retoma casi textual la letra de la primera, cerrando el álbum exactamente donde empezó. No hay resolución, solo el mismo ciclo repitiéndose con matices distintos, reforzado además por el uso alternado de inglés y malayo, donde lo que se dice en un idioma muchas veces contradice o completa lo que se admite en el otro.

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